Webzine Inside Rock : critiques d'albums - biographies - concerts - livres - stories

Peace

La Pèdre — 2013-05-04T15:17:02Z

« Joyeux anniversaire, joyeux anniversaire Harry ». C'est ainsi que le groupe Peace fut accueilli ce soir là, à la peniche du Petit Bain. Bien qu'absolument banal, cela reste étonnant pour une formation si jeune et pour un chanteur qui ne fait pas de publicité Louis Vuitton (mes amitiés, Bono). Ceci, en forme d'anecdote, doit poser d'emblée l'ambiance surprenante, bon enfant et communicative, qui régnait en cette soirée. En effet, rien ne nous présageait un grand moment de divertissement en cette veillée d'euphorie sportive, l'attention générale se portant davantage vers un quart de final de Champion's League catalan, délaissant ainsi nos contrées pluvieuses. D'ailleurs, l'addition d'une péniche et de la pluie n'est généralement pas un argument marketing très persuasif, Katoucha Niane n'étant plus là pour en témoigner. Il nous faut d'abord saluer les efforts du Petit Bain, qui propose une structure dynamique et agréable dans un cadre souvent mal exploité, celui des quais de Seine ; à l'inverse de l'infâme Concorde Atlantique, qui depuis longtemps ne présente que l'intérêt paradoxal de l'inconfort.

On arrive en avance, on s'accoude au bar où le prix de la bière, une fois n'est pas coutume, n'est pas scandaleux, même si on dénotera les détails de l'embourgeoisement généralisé de nos établissements culturels : la carte propose un « bagel veggie » à 6€50 - ce que nous appelerons par commodité le syndrome Starbucks.
Sautons les étapes, l'entrée dans la salle, petite et agréable, proche des groupes qui y jouent, enchante l'esprit. Nous voilà enfin dans un concert où la communication entre l'artiste et son spectateur ne passe pas par des écrans géants et des barrières. La première partie, Motorifik, honnète et timide, s'écoute sans mal. Mais vite voilà nos boys qui arrivent : le chanteur est affublé d'un délicieux pattes d'eph en tartan rouge et d'une pose savamment alanguie, le reste de la bande évidemment au diapason, pantalon retroussé, chaussettes blanches, Dr. Martens basse et verte, pull oversized (on ne remerciera jamais assez Elle et Marie-Claire pour la nécessaire mise en place d'un vocabulaire pointu). On rentre dans la danse, et d'entrée une bande de spectateurs suit par coeur les chants du groupe, s'amoncelle, saute et se pousse, dans un plaisir sincère et convivial : mon Dieu, c'est donc possible, enfin des kids. Sur scène, nul doute que les garçons de Birmingham ont été élevés a l'école anglaise avec ce mélange de préciosité et d'ennui, cherchant l'entrain musical des Stone Roses en se tenant avec la désinvolture enfantine d'un shoegazer. Vague de liberté et de simplicité anglo-saxonne (en France, la liberté artistique nous semble une prison).

Une playlist serrée découle, une musique au plaisir instantané. Parce que de l'album il faudra bien en parler rapidement : In Love (et non TBC comme nous l'avions benoitement compris) est un disque comme la décennie en a fait de si bien, fort plaisant mais qui peine à s'affranchir des influences ; reste à savoir si nos garçons le souhaitent vraiment, tant les clins d'oeils nous paraissent appuyés (le morceau Waist of Paint, par exemple, ne ressemble pas seulement a un quelconque Fools Gold, mais le titre ne peut que faire référence aux « dripping » à la Pollock de John Squire). Ce qui nous échappait jusque là était l'efficacité de ses morceaux sur scène, disposant tous d'une trame euphorique. Suffisamment rare pour le signaler : la balance était correcte même si la basse resta inaudible pendant le concert, et ceci malgré l'ingéniosité du bassiste - selon mon cher assistant, voilà pourquoi un morceau comme Toxic, dont les couplets reposent essentiellement sur la basse, fut complètement fade. Bref les titres se suivent, les kids s'entassent et crient, nous l'avons dit. Wraith part comme une torpille tropicale, Bloodshake est l'occasion de pogo enchanteur et juvénile. Une bourgeoise se moque d'un saoul, et les bourgeois saouls se prennent en photo entre eux. Le chanteur se coiffe d'un serre-tête de bunny girl en fourrure rose, lancé par l'assistance. C'est dire la communion. On arrive au dernier morceau, l'occasion d'allonger le titre d'un jam final, modeste et bigarré. Puis un au revoir timide, pas de rappel, le groupe s'éclipse avec la même frivolité boudeuse qu'à leur arrivée. Le moment pour eux de fêter l'anniversaire d'Harry Koiser.

DesertFest 2013

Sylvain Golvet — 2013-05-02T13:55:03Z

Le DesertFest organisé depuis l'année dernière entre Londres et Berlin par plusieurs promoteurs associés (avec quelques variantes de programmation d'une ville à l'autre) est l'occasion de célébrer le desert rock dans son acceptation la plus générale du terme. On y parle donc de stoner évidemment mais aussi de doom ou de de psyché. Le festival est la preuve de la vitalité de cette scène qui explose ces dernières années avec un nombre assez impressionnant de groupes s'en réclamant. De quoi donc remplir une programmation répartie sur trois scènes et pendant trois jours, sans aucun temps mort. Et vous savez qu'à Inside Rock on n'est pas les derniers à se plonger dans les méandres du genre.

Trois jours de riffs de bûcherons et de saturations en tout genre seront l'occasion de souligner une évidence : un concert ça se raconte à son public, c'est une histoire, un spectacle où la musique seule ne suffit pas (toujours). Cela semble tomber sous le sens mais il semblerait que cela ne le soit pas pour tous les groupes. Oui, on est ici comme au théâtre. Oh, il est tout à fait possible de se passer de tout storytelling, de faire uniquement confiance en sa capacité à faire remuer la tête de l'auditeur dans un rythme plus ou moins rapide. Beaucoup le font d'ailleurs, on le verra et on ne peut pas leur en tenir rigueur dans le sens où le plaisir est tout de même là. Néanmoins, ces prestations ne restent pas autant dans les mémoires et finissent assez vite dans les limbes de notre cerveau parmi les moult concerts enchaînés comme on va à l'usine.

C'est parti pour un retour des meilleures et des pires prestations londoniennes de ce nouveau et excellent festival sous l'angle du storytelling.

• Le storytelling conceptuel

Un concert (et à fortiori un groupe) c'est d'abord un concept qu'il faut suffisamment bien présenter pour que le public daigne venir.


Yawning Man: Yawning Man, legend of the desert

Pour convaincre le public européen amateur de stoner de se pointer, le DesertFest avait tablé sur un principe en vogue dans le metal actuel : la reformation. Quoi de plus évident pour faire de son festival un vrai évènement ? Le samedi c'est carrément les 3 groupes de têtes d'affiches qui viennent pour un concert exclusif : Unida, Dozer et Lowrider. Le dimanche c'est Pentagram qui se colle à l'exercice. Et pour commencer, la soirée du vendredi est consacrée à la réunion de Yawning Man et de Fatso Jetson, avec en commun la figure tutélaire de Mario Lalli, l'un des pionniers du desert rock. Même si on ne peut pas à proprement parler de reformation ici, on est bien aussi dans la gestion de patrimoine.

Ce genre de communication est quitte ou double. Elle fait indéniablement venir les gens en masse. Mais ceux-ci ne sont pas à l'abri de la déception face à une prestation trop attendue. Clairement, c'est un peu le cas de Pentagram qui n'a que son concept pour lui, le groupe formé autour de son leader historique (et un peu décati) n'offre ce soir-là qu'un ersatz un poil informe de doom-post-Black Sabbath. Pas minable, non, juste un peu banal pour terminer un week-end plutôt intense.

Constat moins déceptif avec Dozer et Lowrider. Déjà parce que les Suédois sont plus « frais » et ont encore de bons réflexes. Il faut dire que leur formule post-Kyuss musclée fait toujours mouche. Dozer plus que Lowrider d'ailleurs, grâce à des morceaux mieux écrits et des allants pop mieux maîtrisés. Malheureusement pour nous, il s'en fallait de peu, mais le contrat Dozer n'était pas complètement rempli à cause du caprice étrange de Fredrik Nordin de placer ses vocalises un peu partout et pas toujours dans la justesse alors que sa voix était bien trop mise en avant par l'ingé son de l'Electric Balroom un peu aux fraises sur se coup. On a tout de même bien remué nos têtes.

Alors qu'avec Yawning Man, on sent beaucoup moins le poids des ans et c'est un trio très à l'aise et qui sonne on ne peut plus frais sur la petite scène de l'Underground (peut-être grâce à un ingé son expert puisque n'importe quel groupe du week-end y sonnait ici impeccablement). Il faut dire qu'on a affaire à des gens talentueux aussi en solo, comme le prouve la prestation très énergique de Mario Lalli avec Fatso Jetson juste après.


Unida: Unida

Quand à Unida, le concept est simple, c'est John Garcia. Preuve en est l'arrivée sur scène du groupe puisqu'il commence son set par un instrumental avant la montée triomphale de son chanteur, acclamé par un public bien ravi de l'événement. Ensuite l'avantage d'avoir John Garcia dans son groupe, c'est qu'il ferait groover même les Shaggs. Évidemment les autres Unida ne sont pas les Shaggs, mais on peut quand même remarquer une différence de niveau entre les chansons d'Unida et celle de House of Broken Promises, le groupe du guitariste Arthur Seay qui jouait un peu plus tôt dans la même salle. Belle prestation en tout cas jusqu'à un Black Woman en rappel faisant chavirer la grande salle de l'Electric Balroom.

D'autres concepts auront pris corps ce week-end. Il n'y aura qu'un groupe avec une chanteuse, Witch Mountain sera celui-là. Il faut aimer le chant puissant d'Uta Plotkin pour adhérer complètement au doom de ce groupe. Entre un aspect lyrique et un fond bluesy, sa voix rappelle un peu Janis Joplin, y compris dans cette manie d'en mettre un peu trop. C'est presque dommage parce qu'elle peut compter sur un groupe talentueux au son quasi parfait, avec une mention spéciale pour le bassiste pas manchot.


Ufomammut: Ufomammut alias « Le marteau italien »

L'autre concept en vogue du week-end sera celui du doom joué TRÈS fort et TRÈS lentement. A ce jeu-là on a pu tester ses capacités auditives avec Conan, Bongripper ou Cough, tous plutôt aguerris dans le genre mais assez vite interchangeables. Ce qui est moins le cas d'Ufommamut qui sait dérouler une écriture certes minimaliste mais qui a le mérite de progresser. Hypnotique et régressif comme il le fallait.

• Le storytelling visuel

Le storytelling passe aussi par ce qu'on choisit de montrer à son public, et pas uniquement parce qu'on laisse entendre. L'un des aspects efficaces du doom hypnothique de Bongripper par exemple, c'est justement d'accompagner ses coups de massues sonores par le geste. On assiste donc à des musiciens qui abattent leurs bras sur leur pauvre instrument comme s'ils les achevaient à chaque riffs. Et mine de rien, ça agit sur le spectateur qui lui aussi anticipe le coup autant qu'il l'appréhende.


Truckfighters: Une soirée normale pour Truckfighters.

Dans le genre massacre d'instrument, Truckfighters n'y va pas avec le dos de la cuiller non plus. À travers le bouillonnant guitariste Mr Dango qui ne peut s'empêcher de sauter sur place, tourner sur lui-même et grimacer entre chaque riff, les Suédois envoient des tonnes d'énergie au public qui ne sera jamais aussi chaud bouillant que pendant cette heure bien chaotique. Ça pogotte sec donc, et Truckfighters en profite pour balancer au public de bonnes baffes sans temps mort (ou presque) pour le concert le plus galvanisant du week-end. Rien de tel qu'un groupe qui challenge son public et qui tire sa force de sa réaction pour que l'osmose spectateur/groupe se fasse à fond. Et les personnes qui auront vu leur « fuzzomentaire » sauront qu'il s'agit bien là d'un pur spectacle puisque ces gens sont bien nordiques dans la vie, à savoir discrets, sérieux et plutôt bosseurs.

Le visuel, c'est aussi une histoire de costume. Comment ne pas évoquer les gilets en peau de chèvre et les barbes improbables de Kadavar, groupe qui vit son revival heavy 70's dans sa musique comme dans son look. Et sur la scène centrale et surélevée du Jazz Cafe, le trio nous permet de nous croire quelques instants dans un club anglais de l'époque où Cream aurait pu se produire. On passera sur les quelques pompages de riffs sur le Sabbath pour se laisser aller à bouger au rythme des mouvements de poils de ces excellents musiciens, auteur de deux albums impeccables.

Mais le visuel peut aussi être un drame pour un groupe. Vendu comme un mix de doom et de folk envoutant d'après le programme (toujours se méfier des programmes), le set de Pagan Altar promettait au moins d'avoir pour lui une certaine ambiance. Patatras, l'arrivée dans la salle nous a ramené très vite sur terre. Quel était le pire : le petit bassiste dandy qui avait l'air de ne pas savoir ce qu'il faisait là ? Le guitariste et son horrible chapeau mou de stade de foot ? Ou le sosie de Daniel Guichard en trenchcoat qui leur sert de chanteur ? Franchement quoi de pire comme message que de montrer un univers aussi peu cohérent, surtout quand le chant se veut un peu lyrique et dramatique (au sens premier du terme). Voilà ce qu'on peut appeler une prestation ratée.


Pagan Altar: Et encore, là ils paraissent classes.

• Le storytelling entre les morceaux


Dÿse: Dÿse aime aussi les endroits improbables.

Autre problème : il faut savoir meubler entre les morceaux. Même si certains ne s'embarrassent pas de l'impératif de se réaccorder (ce qui est assez improbable vue comment les cordes sont malmenées), c'est un moment de flottement qui est inévitable. Dès lors, comment meubler et ne pas créer une hémorragie de départs, d'autant plus quand tu es un petit groupe qui est là pour se faire découvrir. Prenez Dÿse. Ce duo d'Allemands tarés, œuvrant dans un mix de math rock et de stoner chaotique, maîtrise complètement cette partie du show grâce à son humour absurde qui fait mouche dès les premières secondes (« Hello, we are Metallica from South Africa. », « we're happy to be back in Paris », ce genre de chose). Le public est déjà dans la poche. Et même si les impératifs techniques sont plus limités à deux, cela ne les a pas empêchés de développer cet aspect, quitte à incorporer l'humour et la surprise à l'intérieur même des morceaux. On garde le mystère pour ceux qui auront la chance de les découvrir, mais entendre le batteur entamer soudainement son break à la bouche en plein milieu d'un titre restera un des grands moments du festival. LA découverte du festoche.

• Le storytelling dans les morceaux

Certains groupes ont plus facilement la possibilité de raconter quelque chose en concert parce que leurs morceaux le fait déjà pour eux.


NAAM: Naam, psychés jusqu'au bout des flammes.

Naam par exemple aime bien développer des morceaux sur la longueur, dans un esprit progressif, surprenant pour des gens de Brooklyn qui ont plus l'air d'être porté sur le post-punk et la no wave (leur guitariste supplémentaire pour la tournée joue avec Psychic TV, il n'y pas de hasard). Le long d'un set bien équilibré, Naam fera parler un clavier bien psyché, des chœurs éthérés et des relances puissantes, le tout souvent au sein d'un même morceau, tels les épiques Starchild ou Kingdom.

C'était également l'optique d'un groupe comme Ufomammut à une échelle plus minimaliste et répétitive, mais les lentes montées en puissance du trio étaient aussi impressionnantes qu'hypnotiques.

On peut aussi citer Glowsun dans cette catégorie, auteurs d'un excellent set dans un horaire pas facile, en début de dimanche dans la grande salle où la foule était encore bien clairsemée.

À cet exercice, les trois Colour Haze restent néanmoins les meilleurs. Menant le public part le bout de l'oreille, ils le baladent où ils le veulent et ce dernier en redemande. En cinq titres (dont un de 20 minutes), quasiment sans chant, le trio d'excellents instrumentistes développe sa science du récit grâce à un phrasé mélodique et rythmique d'une rare finesse. Une finesse qui lui permet de dynamiser leur son et de paraître bien plus bourrins que d'autres groupes quand ils mettent le paquet. Montées, ruptures, relances, le public est envoutés et remues les yeux fermés. Colour Haze, premier à l'applaudimètre de ces trois jours. Et c'était mérité.

• Le storytelling de set

Le top du storytelling c'est bien sûr quand l'histoire est diluée le long du set entier. Ce qui n'est pas forcément aisé en festival, là où la durée habituelle d'un concert est plus réduite en temps. Quoiqu'il arrive, rester une heure sur une scène sans lasser le spectateur demande du rythme.

Varier son set est plus aisé pour un groupe comme Fatso Jetson, qui puise son inspiration dans divers genres, du punk à la country en passant par la surf music. Et il peut se permettre de piocher dans un répertoire assez large, fort d'une discographie de six albums. Et même si ce soir là, l'optique était plutôt dans le muscle et la fougue, le spectateur peut toujours se demander à quelle sauce il va être mangé.

Groupe éphémère, Unida a un répertoire forcément plus limité, ça ne l'empêche pas de pouvoir gérer le rythme de son set. Outre l'entrée en matière étirée, le reste du concert a pris son envol progressivement jusqu'à être de plus en plus intense, jusqu'au Black Woman libératoire. Mais pour tenir une heure trente, il fallait aussi se ménager les muscles, d'où un intermède jam, où chaque musicien laisse parler son âme de musicien accompli pour faire son petit solo. C'est aussi l'occasion pour John Garcia de reprendre son souffle.

Il arrive aussi que son set subisse des ratés. Yawning Sons aura fait les frais d'une technique défectueuse, et Gary Arce subira tout au long du concert des problèmes de guitares ce qui nuira grandement à l'immersion dans la musique planante de ce projet musical. Dommage.

Une fois n'est pas coutume, on finira ce tour d'horizon par le premier groupe vu ce week-end, Mars Red Sky. Les Bordelais sortent un nouvel EP Be My Guide, c'est donc avec les morceaux prometteurs de ce dernier qu'ils commencent leur concert, prenant le risque de perdre les gens venus écouter ses titres préférés. Mais le pari plutôt gagnant, le trio se révélant un peu timide sur le début du set avec des morceaux pas encore bien rodés mais permettant de se chauffer ensuite pour les morceaux plus maitrisés de son premier album, gardant tout le long cet aspect langoureux si particulier du groupe.

• Le non-storytelling

Pour terminer, on peut aussi vous parler très brièvement des groupes dont on n'a pas grand chose à raconter de plus que le plaisir simple d'avoir vu des groupes de stoner honnêtes : Chron Goblin, c'était sympathique, Trippy Wicked c'était rigolo, Steak, c'était basique, Wo Fat, c'était gras et Turbowolf, c'était foufou. À l'année prochaine.

« Pas mal non ? C'est français ! »

Sylvain Golvet — 2013-04-21T13:34:14Z

Pour ce qui est de pousser les décibels, le français n'est pas timide. Et plutôt créatifs avec ça, plus encore que quand il se cantonne au domaine pop-rock où il ne fait pas le poids face aux anglo-saxons. Alors que dans le metal, le hardcore, le stoner ou le math-rock, l'hexagone fait plaisir à entendre. Allez, on met les bouchons et on y va !

7weeks

CARNIVORA - NEW ALBUM ! by 7 Weeks

Sur scène, 7 Weeks dispose d'un son à vous décrocher le dentier. Batterie, basse, guitare et même clavier, ils enrichissent leur formule metal d'une volonté de varier les ambiances, qui peuvent passer de la bonne grosse pilonnade à la tension sourde. Leur album Plays Dead Of Night, enregistré pour servir de bande-son au film Dead of Night (1972) est particulièrement classe. Ils y jouent l'alternance entre les dialogues du film qui nous immerge à fond dans une ambiance cinématographique tendue et inquiétante tout en oubliant pas de composer des morceaux avec des parties chantées libératoires.

Mars Red Sky

MARS RED SKY (debut album) by MARS RED SKY

La formule stoner de Mars Red Sky n'est pas fondamentalement différente de celle de nombre de ses confrères. Sauf que grâce à une voie aérienne presque féminine, une guitare qui se balade dans les aiguës en opposition au bourdonnement de la basse ainsi qu'un tempo légèrement ralenti, le groupe développe une ambiance à la fois langoureuse et cotonneuse où l'on aime bien se perdre.

Fordamage

Volta Desviada by Fordamage

Fordamage fait partie de ce mouvement post hardcore/math rock né à la fin du siècle dernier et qui particulièrement bien représenté en France. Et plus particulièrement même à Nantes, via notamment le label Kythibong qui signe Pneu, Room 204 ou Papier Tigre.
« Ils sont de cette génération pour qui les histoires de famille musicale ne s'apparentent pas à un style » clame leur bio. On peut tout de même y entendre une filiation Shellac/Fugazi difficilement négligeable, ce qui ne doit pas faire rougir les frenchies tant leur énergie est peu commune. Le quatuor montre sur son dernier album Volta Desviada qu'il fait preuve d'une belle précision et d'une maitrise technique qui leur permet de livrer des morceaux aussi mélodieux que puissant. À confirmer en concert mais il y a peu de chance qu'ils y soient décevants.

Loading Data

Le nouveau QOTSA n'est pas encore sort et rien de dit qu'il sera dans la veine robot stoner particulièrement poussé sur Era Vulgaris. Quoiqu'il arrive, autant se jeter tout de suite sur ce Double Disco Animal Style, le nouvel opus de Loading Data, les « vétérans » du stoner français. Produit par notre Alain préféré (pas Delon, Johannes bien sûr), cet opus est gorgé de chansons pour bouger son popotin et frapper des mains. Mention spéciale à So High et son riff heurté, parfait pour se déhancher.

Blaak Heat Shujaa

The Edge Of An Era by Blaak Heat Shujaa

Après un 1er album correct, ces jeunes français ont tenté l'exil à LA et ont passé la vitesse supérieur avec leur EP The Storm Generation puis leur nouvel album The End of an Era, enregistrés dans la foulée chez Scott Reeder (Kyuss, The Obsessed,…). Le résultat convoque Morricone, psychédélisme, poésie beat, orientalisme et devrait parler aux fans de Om et même de Secret Chiefs 3. Le tout a beau avoir été enregistré en très peu de temps et dans les conditions du live, le résultat sous entend des heures de répétitions acharnées pour arriver à cette exécution si précise. Et la façon dont le guitariste fait parler le twang est simplement parfait.
Mes petits chouchous du moment.

Glowsun

Death's Face by Glowsun on Grooveshark

Glowsun œuvre dans le stoner quasi instrumental et comme Blaak Heat Shujaa incorpore quelques mélodies non occidentale dans ses riffs, dans des compositions progressives proche des suisses de Monkey3 (qui échouent de peu à apparaître dans cette playlist). Le son est du genre mastodonte, du genre à faire se pâmer les fans de Karma to Burn, surtout quand on se dit qu'ils ne le produisent qu'à trois.
Johan a même plus d'une corde à sa guitare puisque c'est aussi un illustrateur talentueux, auteur des visuels du groupe mais aussi de magnifiques sérigraphies pour des divers concerts. (http://alkaprint.fr/johanjaccob)

Last Barons

On présente plus les Last Barons ici. Leur deuxième album Cheval de Troie avait fait forte impression lors de sa sortie, avec son mélange sophistiqué de grunge, de stoner et de metal qui sent le travail bien fait. Rien de plus à dire depuis si ce n'est qu'on ne pouvait pas les laisser de côté.
Vous pouvez toujours aller jeter un oeil sur notre interview.

Sixto Rodriguez

Emmanuel Chirache — 2013-04-11T15:30:00Z

Entretien réalisé le 2 juin 2009.

Mieux vaut tard que jamais. C'est ce que doit se dire Sixto Rodriguez. Trente-huit ans après son premier disque, cet immense artiste goûte enfin une modeste mais bien réelle consécration critique grâce aux rééditions de ses deux chefs-d'œuvre : Cold Fact et Coming From Reality. De passage à Paris pour un concert au Nouveau Casino, l'homme nous a accordé un petit entretien, qu'il clôture avec l'interprétation de I Think Of You. Un set acoustique joué dans une bien étrange posture : face au mur. Pour ceux qui l'ignorent, Sixto est en effet un grand timide qui aime parfois tourner le dos au public.

Cold Fact

Emmanuel Chirache — 2013-04-11T15:20:00Z

Paru en mars 1970, réédité en 2008 (Sussex Records/Light In The Attic)

Dans le petit monde des chefs-d'œuvres, il existe au moins deux catégories. Il y a les sacrés, ceux que tout le monde connaît et que tout le monde aime, vénérés presque sans y penser dans un réflexe culturel devenu naturel. On y dénombre Abbey Road, L.A. Woman, Pet Sounds, Blonde On Blonde, Let It Bleed, London Calling, OK Computer, etc. Des albums que même des crétins que leur goût porte habituellement vers la variété internationale, creuset informe rempli de tous nos cauchemars, écoutent, sinon connaissent. Si nous étions d'horribles snobinards, leur œcuménisme nous les rendrait presque fades. Pourtant, ils restent comme des phares pour le voyageur égaré, des balises intangibles, des sentinelles fidèles au poste qu'il est toujours si doux de retrouver quand on est perdu. Mais dès que le navigateur commence à bien savoir ses cartes et à retrouver son chemin les yeux fermés, ils s'amuse alors à chercher dans le paysage d'autres repères moins évidents qui pourront le guider. Une étoile, une falaise, une île, le vol des mouettes. Il en va de même pour l'amateur de rock. Celui-ci délaisse parfois les chefs-d'œuvre classiques pour d'autres, plus confidentiels, oubliés, décalés, qui s'adressent davantage aux curieux, aux blasés, aux mélomanes, aux spécialistes d'un genre ou d'une période. Ce sont Forever Changes, Odessey And Oracle (ces deux-là étant en procédure accélérée de canonisation), Black Monk Time, Wanted ! The Outlaws, Fire Of Love, The Director's Cut, j'en passe et des meilleurs. Vous l'aurez deviné, il faut ranger Cold Fact de Sixto Rodriguez dans cette colonne.

Sixto (parce que sixième enfant de sa fratrie) Rodriguez est né à Détroit en 1942 dans une famille d'immigrés mexicains de la classe laborieuse. Peu doué pour les études, le jeune garçon s'oriente vite vers une carrière de musicien. Comme tous les folkeux désargentés, il erre bientôt de rue en rue et de beuveries en beuveries en jouant du blues, du folk et de la pop. Nous sommes alors à la fin des années soixante, à une époque où la contre-culture atteint le point culminant de son influence sur les esprits de la jeunesse occidentale. Poète à la verve urbaine, engagée et marginale, Rodriguez prend part au mouvement et se produit dans tous les lieux interlopes que compte Détroit. Cabarets de prostituées, bars gay, clubs de motards, autant d'endroits qui semblent mieux lui convenir que les cafés fréquentés habituellement par les artistes folk. Le campus étudiant de la Wayne State University l'accueille également, où l'effervescence culturelle provoque chaque jour son lot de rencontres et de découvertes. En 1967, le guitariste croise donc la route d'un producteur qui lui permet de sortir son premier single chez Impact Records. Un flop. Mais le pas est franchi. Surtout, Rodriguez a fait la connaissance de Dennis Coffey et Mike Theodore, arrangeurs, compositeurs, musiciens et bientôt... producteurs de Cold Fact.

Ceux-ci ont été marqués par leur première vision du chanteur en plein récital. Dans sa singulière posture dos au public (comme Miles Davis), Rodriguez plaque chaque soir ses accords avec l'emphase de ceux qui possèdent une flamme intérieure, récitant des paroles dont l'inspiration provient directement d'une vie de bohème déjà bien remplie. « Il avait un don avec les mots, se souvient Dennis Coffey, il vous faisait pénétrer grâce à eux dans l'univers impitoyable de son monde et dans les luttes que les gens y menaient. » Theodore et Coffey sont subjugués par cette apparition quasi mystique, à tel point qu'ils font de Rodriguez leur tête de pont pour lancer leur carrière chez Sussex Records, label tenu par Clarence Avant. Dès cette époque, Clarence Avant représente l'une des personnalités afro-américaines les plus influentes dans le business de la musique, ce qui se confirmera par la suite avec la création de la filiale d'Universal Avant Garde et du label Tabu Records, sans parler des innombrables artistes qu'il aura produits, managés, conseillés, de Bill Withers à Queen Latifah en passant par Miles Davis, Kool & The Gang ou Michael Jackson. C'est donc cet homme-là qui va s'enticher d'un modeste Chicano et lui offrir des conditions d'enregistrement royales.

Car Avant peut compter sur une paire d'arrangeurs surdoués (Theodore et Coffey) et une équipe de musiciens talentueuse, presque tous élevés au « Motown Sound ». Avec Bob Babbitt à la basse et Andrew Smith à la batterie, Sixto Rodriguez bénéficie même du groove unique des Funk Brothers, soit LA section rythmique des tubes Motown. A la guitare électrique, on retrouve Coffey, tandis que Theodore tient le clavier. Les sessions d'enregistrement vont s'étirer sur trente jours, durant lesquels Rodriguez enregistre ses parties indépendamment des autres musiciens. En revanche, impossible pour lui de dissocier son chant de son jeu de guitare, les deux étant liés dans une métrique très personnelle, voire carrément bancale. Les producteurs s'arracheront d'ailleurs les cheveux pour caler les sections de cuivre ou de cordes sur le tempo irrégulier de Rodriguez. Et pourtant, le résultat dénote une science de l'orchestration, du détail, voire de l'expérimentation, absolument sidérante. Sur le hit Sugar Man, Theodore et Coffey ont eu l'idée d'ajouter par-dessus la guitare une piste de violons joués à l'envers, ce qui donne ces espèces de chants de baleine suraigus et oniriques. De la même façon, les touches de percussions sur Crucify Your Mind révèlent un souci du timing sans égal. En résumé : toujours le bon instrument au bon moment. Cette délicatesse dans l'art d'arranger les chansons trouve sans doute sa plus belle expression dans le somptueux Inner City Blues, où les phrases du chanteur sont ponctuées par divers effets instrumentaux qui assurent à la musique un relief incroyable.

Et trente-huit ans après, les chansons de Cold Fact ont gardé tout leur éclat. Pas le temps de réfléchir, l'auditeur est tout de suite travaillé au corps, secoué, transporté, balayé comme une poussière emportée par l'œil du cyclone. Sugar Man convainc d'entrée le sceptique, Only Good For Conversation agresse les tympans, Crucify Your Mind promène l'âme, The Establishment Blues titille l'esprit critique, Rich Folks Hoax noue l'estomac, Hate Street Dialogue retourne les sens, Forget It les apaise, Inner City Blues les stimule, Gomorrah les surprend. Les mélodies sont lumineuses, le plaisir immédiat. La musique de Rodriguez foudroie. Au sens amoureux du terme. On s'en éprend éperdument, passionnément, totalement. Tout y est familier et pourtant si unique. La voix du chanteur, par exemple, prend des accents dylaniens tout en s'en écartant radicalement. Jamais Dylan ne chanterait des morceaux pareils. Le jeu du guitariste aussi surprendra celui qui voudrait l'imiter sur au hasard Hate Street Dialogue ou Crucify Your Mind. Comme beaucoup de grands musiciens, Rodriguez joue en effet des accords très simples d'une façon très complexe. A la fois saccadé et fluide, son mouvement du poignet sur les cordes ne ressemble à aucun autre. Les mélodies peuvent rappeler alternativement Donovan, Leonard Cohen, Simon & Garfunkel, Love, sans pourtant qu'on y pense une seule fois durant leur écoute. En fait, comme la plupart des très grands artistes, Rodriguez rayonne sur chaque titre, même s'il n'en est pas l'auteur. Parce qu'il faut le signaler : un chef-d'œuvre comme Hate Street Dialogue n'a pas été composé par lui mais par Coffey, Theodore, et l'écrivain Gary Harvey, lesquels se sont mis pour l'occasion dans la peau de Rodriguez.

Si la musique, les ambiances et les climats des chansons possèdent un charme instantanément perceptible, il faut reconnaître que l'écriture de Rodriguez, par ailleurs très musicale, apporte une véritable plus-value à l'ensemble. Que ce soit le fameux vers psychédélique de Sugar Man « Silver magic ships you carry, jumpers, coke, sweet Mary Jane », les propos désabusés de Crucify Your Mind, la logorrhée contestataire de The Establishment Blues, le questionnement ad lib de I Wonder, ou les affres poétiques du poignant Rich Folks Hoax :

The sun is shining, as it's always done

Coffin dust is the fate of everyone

Talking 'bout the rich folks

The poor create the rich hoax

And only late breast-fed fools believe it.

« Quand vous avez affaire à une chanson de Rodriguez, explique Mike Theodore, vous n'êtes pas face à une chanson comme les autres. Elle peut être douce et mélodique, mais le contenu est toujours quelque chose auquel vous ne vous attendez pas. » Desservi par une promotion inadaptée et un distributeur, Buddha Records, qui privilégie ses propres disques, Cold Fact passera totalement inaperçu en dépit des espoirs que le label avait placés en lui. Il faudra attendre environ une décennie pour que Rodriguez apprenne qu'il est une méga star en Australie et presque vingt ans de plus pour qu'il découvre que l'Afrique du Sud le vénère. Réédité en 2008 par Light In The Attic, qui a effectué un travail de packaging et une documentation historique remarquables, le disque recueille enfin aujourd'hui les louanges qu'il mérite.

Article initialement paru le 6 janvier 2009.

Tracklisting :

1- Sugar Man (3:45)

2- Only Good For Conversation (2:25)

3- Crucify Your Mind (2:30)

4- This Is Not a Song, It's an Outburst : Or, The Establishment Blues (2:05)

5- Hate Street Dialogue (2:30)

6- Forget It (1:50)

7- Inner City Blues (3:23)

8- I Wonder (2:30)

9- Like Janis (2:32)

10- Gomorrah (A Nursery Rhyme) (2:20)

11- Rich Folks Hoax (3:05)

12- Jane S. Piddy (2:54)

Durée totale :32:23

« Pas mal non ? C'est français ! »

Sylvain Golvet — 2013-03-24T14:02:05Z

En France on n'invente pas des genres, on ne lance pas de mouvements, on influence assez peu le patrimoine musical mondial. Par contre on aime triturer, malaxer et mélanger tout ça, si possible à l'extrême et le tout dans le même morceau, dans un esprit presque situationniste. Et tant pis si c'est compliqué à ranger dans les bacs.

Prypapisme - Un druide est giboyeux lorsqu'il se prend pour un neutrino

Pryapisme a plein d'amours : les chats, les noms de morceaux longs et absurdes, le terrorisme musical, le jazz, le death metal, Street Fighter et le rocococore (concept encore à définir). Avec cet extrait du nouvel album à venir, attendez-vous à pleurer, rire et vous tordre de douleur avec plaisir pendant 6min22.

Carnival in Coal - Fuckable

Fuckable by Carnival In Coal on Grooveshark

Sur French Cancan, le duo Arno Strobl et Axel Wursthorn passait Pantera à la moulinette salsa/zouk digne des meilleurs cocktails en chemises à fleurs. Leur maîtrise des genres n'est pas à prouver, notamment sur Fuckable, le titre funky/black de leur mythique album Collection Prestige à la pochette toute claydermanienne.

Pin Up Went Down - Diapositive

Diapositive by Pin-Up Went Down on Grooveshark

Imaginez Emilie Simon qui voudrait vous envoyer en mosh-pit. Encore un duo (dont un instrumentiste qui jouait avec Carnival in Coal, encore eux) qui peut se vanter de savoir tout jouer ou presque. Asphodel pourrait chanter n'importe quoi tant sa technique parait inattaquable. Point de délire et d'humour ici cependant, le tout est exécuté avec sérieux et application, voire même avec une certaine beauté comme sur Home.

6:33 & Arno Strobl - GGG Chapter I : Order of the Red Nose

Carnival in Coal n'existe plus vraiment mais Arno Strobl n'a pas pour autant quitté la musique. Il s'est récemment associé à 6:33 pour sortir un EP Gigles, Garlands & Gallows qui sonne comme « ce qu'aurait pu être Carnival in Coal en 2012 ». L'association donne quelque chose de très orchestré proche de Devin Townsend, dans un univers cinématographique que n'aurait pas reniés aussi bien Danny Elfman qu'Alex de la Iglesia (le disque développe une sombre histoire de nain marié à une femme à barbe qui devient serial killer)

Psykup- L'Autruche

L'autruche by Psykup on Grooveshark

Évidemment tous ces groupes ont forcément été bercés par Mr Bungle. Chez Psykup c'est encore plus évident. Le meilleur opus, Le Temps de la Réflexion, regorge de rupture de tons propre au combo Pattonien. Sur L'Autruche, Psykup passe d'une réflexion philosophique à du babillage furieux en un claquement de doigt. Le tout est aussi puissant que plein de groove.

Empalot - Manassé

Mañassé by Empalot on Grooveshark

Vus il y a quelques années sur la scène du VIP à St Nazaire avec Psykup, Empalot avait disparu de mon radar depuis un moment. Et maintenant que Gojira est au fait de sa gloire et pris au sérieux par la scène metal all over the world, il est toujours marrant de se rappeler ce que les frères Duplantier faisait de leurs instruments à leurs heures perdues. A savoir du terroir-core bien funky, avec chant en basque, basse bien ronde et même du saxophone. Leur spectacle scénique était aussi dadaïste que possible, à base de spectacle de marionnettes et de sketches absurdes. On aimerait bien revoir ça.

Câlin - Le Foot c'est le Pied

Le foot c'est le pied by CÂLIN on Grooveshark

En ces temps d'electro française squattent les charts et les scènes du monde entier (Kavinsky, C2C, M83), on peut aussi se tourner vers l'underground, l'Amicale Underground même, label de Rien et de Câlin. Câlin donc, qui pourrait faire la nique à ses collègues si on lui laissait l'opportunité. Sur Black Chinese II (un peu comme chez Zombie Zombie), on marrie les BO de Carpenter avec semples des riffs de gratte bien datés. Et toujours des titres débiles comme ses collègues de playlist.

Last Barons - Interview

Sylvain Golvet — 2013-03-06T11:44:50Z

À l'occasion de leur concert parisien dans le cadre des Stoned Gatherings, nous tenions à rencontrer les membres de Last Barons, en pariant sur le fait qu'ils avaient autant de chose à nous raconter en interview qu'ils nous ont captivés avec leur dernier album Cheval de Troie. L'occasion également de vérifier leurs bonnes dispositions lors d'un live surchauffé dont vous pourrez voir quelques extraits (avec une qualité sonore un peu moyenne, on s'en excuse d'avance).

Hellfest 2013

Sylvain Golvet — 2013-02-12T20:22:25Z

- Publicité / slide

Wraith

La Pèdre — 2013-02-07T15:42:16Z

Le moment est venu de voir caracoler dans les classements rétrospectifs de circonstance toutes sortes de groupe. On s'agace déjà de voir des groupes d'indie pop faire la nique à des groupes d'indie pop, nous plongeant dans une mosaïque de photos Instagram au fondu rosé. Puis, ici et là, des albums de métal pour la caution puriste et éclectique - décidément, même dans la célébration, les albums de métal sont toujours sujets à un traitement condescendant. Dans cette hystérie de fin d'année, il est difficile de mettre de l'ordre et de distinguer clairement ce qui restera de notre temps. C'est à sa demander si on remarquerait un single du calibre de This Charming Man. Qu'est-ce que l'on peut faire, chaque époque vomira sa propre idiosyncrasie.

Si la prudence semble alors la seule attitude esthétique valable, on ne manque pas de plonger le bras dans le sac baveux des groupes prometteurs. On en retire Peace et son premier EP Delicious ; un nom pioché dans le lot des substantifs les plus plats, des poses de gamins ahuris et trendy from Bricklane, une pochette qui correspond parfaitement à tout ce à quoi la modernité nous a habitué, avec son effet Instagram maladif. Encore un groupe d'indie rock, souffleront à raison les sceptiques.

: Combien de publicitaires ont planché sur cette pochette ?

Et la musique le confirme vite. Sorti en septembre dernier, ce premier travail de 4 titres s'écoute plaisamment tout en gardant un aspect quelconque. Il parait que le NME, comme bien souvent, trouve ça génial. Force est de constater que Peace fait resurgir un spectre anglais plus vaste que ses contemporains ; on pourra vaguement faire le lien avec la scène shoegaze, baggy ou britpop. Puis deux frères au devant du groupe, alors viennent en tête trop facilement la fratrie des Jesus and the Mary Chain, Happy Mondays, Oasis. Mais si on devine par éclats les possibilités de ce jeune groupe de Birmingham, l'ensemble ne se départit pas de la concurrence ; trop souvent similaire à Foals, sur les ponts parfois même à du Arctic Monkeys exotique. C'est là qu'on sent tout le pseudo-caribéenisme auquel s'abandonne le rock anglais ; ce qui se voit par ailleurs dans le vêtement londonien, si l'on me permet une interstice sémiologique, où chaque hipster jouit d'intégrer dans le matériau urbain la fantaisie ethnique. Il est vrai, il y a eu Macchu Pichu des Strokes, personne ne semble s'en être remis. Dès lors, tous ces groupes indie ne rejetteraient pas l'imagerie kitsch d'un Stevie Wonder, bien au contraire.

: « Hey ho, hey ho, on rentre de chez Tesco... »

Mais la preuve qu'il faut garder l'oreille attentive est le dernier single du groupe, servi sans prévenir à Noël pour accompagner le foie gras, qui avance ses parfaites couleurs ludiques. Petite fulgurance aux guitares caribéennes, Wraith enroule ses gimmicks festifs dans une toge léopard pour les faire rouler ensuite sur la piste de danse, exactement sous les strobocscopes couleur pénis - du rose au violet. Notez que la peau de léopard de la pochette est la même que le chanteur dans le clip jette sur ses épaules ; nous comprenons le symbole, car la peau de léopard est, rappelons-le, la matière de la cape de Bacchus. Ce clip même, où pendant que de superbes popotins d'ébène se révulsent - et il n'y a pas de raisons pour que d'horribles rappeurs s'en gardent le privilège - les musiciens restent là, avec l'air idiot et génial de Shaun Ryder.
On voudrait dire une résucée ludique de Suede dans une robe trop courte et vulgaire, Wraith renoue plutôt avec le tube new orderien, pour ne pas dire happy mondaysque - c'est-à-dire parfaitement décomplexé. Analysons : un texte qui aurait pu être écrit par un Ian McCulloch lubrique, perdant les pédales face à un tanga de cuir violet (« You could be my ice-age sugar ! ») ; une composition secouante et aérienne, avec cette ligne de guitare cocotière qui fera transpirer même à Glasgow et ce clavier qui fait office de pont, moment platonique pour patin graisseux. Décidément les Anglais réussissent bien mieux le mariage de la qualité à la récréativité, pendant que l'Amérique dégueule ici et là ses infectes Maroon 5. En quasiment trois minutes, on fait rentrer dans la boite un titre ajusté pour le plaisir le plus transpirant. Pour l'instant on n'en demande guère plus. Mais leur premier album, du nom de TBC, prévu pour mars prochain, nous offre dans son acronyme même le mot de la conclusion : to be continued.

Last Barons - Stoned Gatherings

Sylvain Golvet — 2013-01-20T23:47:45Z

En se produisant à Stoned Gatherings pour défendre à la capitale leur excellent opus Cheval de Troie, les Last Barons n'ont pas forcément choisi la facilité. En effet, le public stoner habituel des rassemblements caillouteux n'était pas aussi réceptif qu'il aurait pu l'être, probablement déconcerté par un mélange de genres trop variés pour eux. Le public resté fidèle au quintet n'a pourtant pas boudé son plaisir en constatant que la maîtrise musicale et technique des Normands n'était pas qu'un miracle de studio. Un concert explosif qu'on vous fait partager en photo, en attendant l'interview vidéo.